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L' Afrique recèle d'innombrables arts locaux qui reflètent une grande variété de cultures qui ne cessent d'évoluer au fil du temps. La découverte de cet art a alors notablement influencé l' art moderne occidental [ 16 ]. Mais progressivement d'autres formes sont venues au jour et en eut lieu le premier festival mondial des Arts nègres de Dakar, présentant au monde la richesse de l'art africain, avec des artistes comme Ousman Sow , Assane N'Noye , Paul Ahyi ou Ashira Olatunde [ 16 ].

Depuis , une biennale d'art africain contemporain se tient régulièrement à Dakar [ 17 ]. L'exemple du continent asiatique montre bien la difficulté d'établir des classifications d'histoire de l'art basées sur des continents et des périodes historiques. Comment présenter avec une certaine cohérence un ensemble aussi large et aussi hétérogène que celui qui réunit:. La culture olmèque , entre av. L' art maya se développe durant la période préclassique av. Il reçut les influences de la civilisation olmèque.

D'autres civilisations mésoaméricaines , incluant Teotihuacan et les Toltèques , l'affectèrent et il atteignit son apogée durant la période de la civilisation classique ou Époque III environ à apr. Les Mayas sont célèbres pour leur utilisation du jade , de l' obsidienne et du stuc. Les artisans aztèques excellaient dans l'art du masque en pierre, hérité des Toltèques, dont on faisait un usage funéraire ou religieux.

Ils revêtaient de peintures les parois de leurs temples et de leurs palais. L' Art amérindien est la forme d'art originaire d' Amérique du Nord. Bien que celle-ci soit géographiquement située en Afrique, l' Art de l'Égypte antique , né il y a environ cinq mille ans, est l'une des principales sources de l'art en Europe. Il combine des règles strictes de régularité géométrique et une observation aiguë de la nature.

On les plaçait dans les tombes des rois, puis progressivement dans celles de personnages de moindre importance sociale, afin d'aider l'âme des défunts à rester vivante [ 23 ]. Mais l'art européen doit aussi beaucoup à l' Art de la Grèce antique. Par la suite, il s'inspire considérablement des règles établies par l'art égyptien, notamment en peinture et en sculpture. Les artistes commencent à s'affranchir des règles de l'art égyptien, qui imposaient de représenter chaque partie d'un ensemble d'un corps humain par exemple sous son angle le plus reconnaissable, au prix parfois de positions peu vraisemblables de l'ensemble.

S'affranchissant de ces règles, ils se permettent de représenter un pied de face ou de cacher un bras sur un personnage représenté de profil: On compare les mérites des différentes écoles d'art, des maîtres des différentes cités. Certains d'entre eux, comme Praxitèle deviennent extrêmement célèbres.

Un peu plus tard survient une autre évolution: Cela inclut de nombreux mouvements de l'art et périodes, art régional ou national, genres, renaissances, métiers d'artistes, et les artistes eux-mêmes.

Les historiens de l'Art classifient l'art médiéval en périodes et mouvements principaux, les relations entre ces périodes sont parfois plus subtiles. Ceux-ci sont l' Art celtique , l' Art paléochrétien , l' Art des migrations , l' Art préroman et l' Art roman , l' Art gothique et l' Art byzantin. L'art médiéval comporte de nombreuses techniques, comme la mosaïque et la sculpture.

L'immense majorité de l'art qui nous est parvenu de cette période relève du domaine du religieux et renvoie à un cadre qui incorpore à la fois une pensée théologique ou cosmogonique et des fonctions proprement liturgiques.

À cet aspect strictement religieux, il convient encore d'ajouter une dimension sociale ou civique. Les historiens français la font se terminer avec la Révolution française. Cette convention spécifiquement française ne sera pas utilisée dans ce chapitre, dans lequel on a préféré utiliser la convention internationale qui fait se terminer l'époque moderne 75 ans avant le présent.

Les Italiens nomment cette période le quattrocento. Si elle redécouvre la mythologie et l'art antique, elle ne constitue pourtant pas un retour en arrière: On redécouvre et on perfectionne considérablement la perspective. On développe la technique de la peinture à l'huile. Alors qu'au Moyen Âge la création artistique était essentiellement tournée vers Dieu et la religion chrétienne, c'est l'homme que la Renaissance artistique place au centre de ses préoccupations.

Pour la première fois, l'art pénètre dans la sphère du privé: L' architecture baroque utilise plus de courbes et de volutes, elle se lance dans le grandiose, comme dans le cas du palais de Versailles [ note 3 ] qui sera imité dans toute l'Europe.

La peinture utilise plus de couleurs et de lumière. La musique de cette époque voit apparaître l' opéra. Ce mouvement atteint son apogée dans l'Europe catholique des années [ 28 ]. Certains connaisseurs, souhaitant se distinguer des autres, sont en recherche d'originalité, notamment dans le domaine de l'architecture qui cherche une nouvelle inspiration jusque vers la Chine et l'art gothique. À la fin du siècle et au début du suivant, le romantisme s'efforcera de réhabiliter le sentiment face à la raison: L'artiste ne souhaite plus nécessairement s'adapter aux goûts de ses clients.

S'il le fait, il a parfois le sentiment de faire des concessions humiliantes. Mais s'il préfère travailler dans un splendide isolement, il risque d'être réduit à la misère [ 31 ]. Bientôt certains artistes en viennent à se considérer comme appartenant à une espèce différente et à afficher avec vigueur leur mépris des conventions et de la respectabilité.

Il voit apparaître en peinture les figures de Picasso , Malevitch , Matisse , Miro , Max Ernst et de nombreux mouvements comme le surréalisme , l' Oulipo , la Nouvelle Vague. Des architectes comme Frank Lloyd Wright osent privilégier l'organisation des pièces à l'ornement des façades et abandonnent le dogme de la symétrie [ 32 ]. En France, avec la modernité, les peintres se détachent peu à peu du système des salons et de l'emprise de la bourgeoisie.

Les grands collectionneurs contemporains, les galeries et les critiques jouent un rôle important. Le marché de l'art s'internationalise. Marcel Duchamp représente l'objecteur fondateur de l' art conceptuel.

Il ne se rattache pas plus à ses précurseurs que son intention n'est d'établir un art de l'objet. Ce qu'il cherche au contraire c'est sortir de l'art. Pourtant les ready-made de Duchamp dont il est le concepteur et ses objets cinétiques apportent une nouvelle dimension à la conscience esthétique, ainsi qu'une immense contribution à l'historiographie de la sculpture moderne, bien contre sa volonté [ 34 ].

Dans le domaine de la peinture, un pas décisif est franchi dans les années lorsque Kandinsky ose l' art abstrait , qui ne représente pas des sujets ou des objets du monde naturel, réel ou imaginaire, mais seulement des formes et des couleurs pour elles-mêmes. À cette époque, même lorsqu'ils ne renoncent pas aussi radicalement à la représentation d'un sujet, de nombreux artistes estiment que ce qui compte en art, c'est d'abord la forme, le sujet ne venant qu'en second [ 35 ].

Ils sont en recherche perpétuelle de nouveauté. Plus on se rapproche de notre époque et plus il devient difficile [ note 4 ] , au milieu des modes éphémères, de distinguer les réalisations qui, par leur influence, relèvent de l'histoire de l'art [ 38 ].

Quelques grandes lignes de l'art de l' époque contemporaine [ note 5 ] semblent cependant pouvoir être tracées. La structure du tableau résulte alors de l'intuition de l'artiste, mais aussi des divers comportements de la couleur coulures….

Ce mouvement sera dénommé tachisme , expressionnisme abstrait ou encore action painting aux États-Unis. L'Américain Jackson Pollock se fera particulièrement remarquer par cette technique. Il n'est pas sans évoquer la calligraphie chinoise dans sa recherche d'un jaillissement rapide et spontané [ 38 ].

Le Op Art , notamment avec Vasarely , accorde un intérêt particulier à l'interaction des formes et des couleurs visant à produire des sensations de relief ou de mouvement [ 38 ].

Pop Art utilise des symboles populaires et prend en compte l'influence de la publicité , des magazines, des bandes dessinées et de la télévision dans les sociétés de consommation.

Ainsi Andy Warhol reproduit les siennes par centaines, parfois même par milliers. Plus généralement, l'art contemporain est traversé par les concepts et les thèmes qui agitent la société contemporaine: Toutefois, la course effrénée à la nouveauté et le triomphe du modernisme conduisaient les non-conformistes à une contradiction: L'ère post-moderne est l'occasion d'une multiplication des mouvements et tendances artistiques: Jean Prouvé , est un architecte et un designer autodidacte français.

Au cours des années , il collabore avec l'agence d'architecture dirigée par Marcel Lods et Eugène Beaudouin pour des bâtiments considérés comme précurseurs de l'architecture moderne en France: En revanche, on ne classe pas dans cette catégorie les productions des artistes australiens et néo-zélandais d'origine occidentale [ 40 ]. Il s'agit d'une civilisation originale, notamment pour ses décors à poterie, qui semble être apparue sur les îles Bismarck , au Nord-Est de la Nouvelle-Guinée.

Elle est associée aux peuples austronésiens qui allaient conquérir l' Océanie éloignée à partir de l' Océanie proche , à l'origine du groupe linguistique océanien. Plusieurs centaines de sites archéologiques lapita ont été retrouvés dans une aire allant de la Nouvelle-Guinée jusqu'aux îles Samoa archipel de Bismarck, îles Salomon, Vanuatu, Nouvelle-Calédonie, Fidji, Tonga, Samoa, Wallis-et-Futuna.

L'ensemble des îles du Pacifique a ainsi conservé une certaine homogénéité culturelle [ 40 ]. Les Aborigènes sont de remarquables peintres, sur écorce dans le nord des Territoires du Nord , sur tissu et toile dans la partie centrale du désert. Actuellement reconnu comme beaux-arts, aussi bien qu'être utilitaire et décoratif, on pense que l'art indigène australien est la tradition continue la plus ancienne de l'art dans le monde.

Les exemples les plus anciens de l'expression artistique ont lieu plus de années [ 42 ]. Il y a trois modèles régionaux d' Art des Aborigènes d'Australie. Le deuxième est le modèle figuratif simple des silhouettes peintes ou gravées qui sont trouvées au Queensland.

La troisième forme est les peintures figuratives complexes, telles que l' art de rayon X , qui montre les organes internes des humains et des animaux. Ce sont communs à la région du terre d'Arnhem [ 42 ]. Les dessins et figures qu'ils peignent ont tous une signification bien particulière liée à la mythologie du rêve et pouvant être assimilés à une forme d'écriture.

À partir des années , les Aborigènes ont abordé la peinture acrylique sur toile. Des exemples d' Art rupestre peuvent être trouvés dans les parcs publics et même dans les villes principales: L'Australie a produit beaucoup d'artistes notables à partir des traditions occidentales et indigènes depuis Le caractère sacré de la terre est un thème commun trouvé dans les deux histoires d'art.

Les origines de l'art occidental australien sont souvent associées à l'école de Heidelberg des années [ 46 ]. Chacun a aidé à définir le caractère des arts visuels australiens [ 47 ].

Pour l'historien de la philosophie Michel Blay, il convient de distinguer deux approches de la philosophie de l'Art. La mimésis est selon lui l'art de représenter la réalité; l'Art serait donc représentation du réel et du Beau.

En plus de distinguer les différents arts, Kant permet de déplacer le principe intime du caractère artistique vers le pôle de la réception, l'assimilant à l'idée esthétique en tant qu'expression de l'entendement et de l'imagination. Un autre grand nom concernant la philosophie de l'art est celui d' Hegel , qui, dans son Esthétique montre que le but de cette discipline est le Beau et l'Art, entendus comme distincts de la religion et de la philosophie.

La période moderne est dominée par deux courants majeurs [ 49 ]. Le premier, représenté par Adorno pose la question de l'autonomie de l'art, notamment vis-à-vis du social. Adorno , héritier de la pensée de Karl Marx , conclut que sans le social l'art ne peut exister.

Le second courant est celui de l'esthétique analytique. Il pose le problème de la définition de l'art. Les usages du mot sont analysés par Ludwig Wittgenstein alors que son fonctionnement comme pratique est étudié par Nelson Goodman. Née de la modernité philosophique, l'esthétique reste une discipline philosophique qui malgré ses tentatives ne s'est pas émancipée en science de l'art.

Ce n'est que par simplification qu'on s'accorde à dire que l'esthétique philosophie des sens et de l'art est une réflexion sur l'art, car l'objet de cette réflexion n'est pas donné d'avance. Selon son idée, la beauté fournissait l'occasion à la connaissance perceptible de parvenir à son accomplissement parfait: Tout comme le regard moderne s'est exercé à découvrir un certain art primitif, l'esthétique a découvert des précurseurs chez des auteurs anciens.

Par exemple le dialogue de Platon Hippias majeur porte traditionnellement le sous-titre De la beauté et il est devenu un texte canonique de l'esthétique. Alors il n'est guère étonnant de trouver qu'il anticipe certaines questions dont on débat encore de nos jours. Les textes issus des civilisations non européennes peuvent aussi être soumis à une pareille lecture et, de cette manière, on reconstruit aussi, par exemple, une esthétique chinoise ou indienne.

Tant qu'on concevait l'art comme une activité réglée, le besoin d'un système pour juger de ses résultats ne se faisait pas sentir.

Ce n'est que rétrospectivement que les divers Arts poétiques écrits depuis l'antiquité sont devenus représentatifs d'une esthétique normative. La Querelle des Anciens et des Modernes montre qu'en fait le caractère conventionnel des normes ou règles était bien perçu. La première ébauche de l'esthétique a été une tentative de naturaliser l'art, et cette tentation reste toujours vivace. C'est à Emmanuel Kant que l'on doit la solution de compromis qui, sous une forme ou une autre, est actuellement en cours.

Si la beauté, ou plutôt l'idée de beauté, intemporelle et universellement valable, liait l'art au discours qui le concerne, l'innovation artistique ou esthétique pose problème. L'esthétique qui était réduite par Baumgarten à la perception se développe en jugement sur le perçu.

Ce jugement ne s'appuie cependant pas sur des concepts définis. Kant interprète le sentiment esthétique comme le fruit d'un rapport inconceptualisable entre nos facultés, l'intuition, l'imagination et la raison. Ou plutôt, le génie humain fait partie de la nature. Est sublime ce qui dépasse l'imagination humaine, et suscite par là même une réaction de l'intelligence comme de la volonté humaine.

Aussi grande ou puissante que soit une réalité de la nature, nous la dépassons par l'Idée de l'infini, et surtout par notre résolution morale. De l'approche kantienne, on peut dériver une bonne partie des vues et pratiques artistiques ultérieures. On notera plus particulièrement l' idiosyncrasie de ceux qu'une partie de la société accepte comme grands artistes, la transgression conçue comme acte esthétique ou les manifestes et autres programmes par lesquels les mouvements artistiques modernes s'affirment [ note 6 ].

Comment s'accorde-t-on sur la validité de la réponse? Sans que la distinction soit claire, on peut soutenir que les théories de l'art traitent ce sujet d'une manière plus générale que l'esthétique. Par exemple une théorie sociologique de l'art a été proposée par Pierre Bourdieu [ 52 ] , une théorie sémiologique par Nelson Goodman [ 53 ] , etc. Un même auteur présente parfois les deux approches, par exemple Hegel qui considère l'esthétique dans un cours spécial, tandis que sa philosophie affirme que l'art est une forme en déperdition [ 54 ].

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